MArtD: febbraio 2023

13 feb 2023

L'URLO DI MACHU (PICCHU)

Come spesso gli accade MAD rielabora immagini "carpite" dalle mostre che visita inserendole in immagini prese da eventi di vita comune a cui partecipa.

Nella fattispecie innesta una delle maschere fotografate alla mostra Oro degli Inca al Mudec di Milano su una base tratta dallo scatto notturno del castello di Rapallo fatto durante la vacanza del 2022.

Immergendo nelle acque del Tigullio l'immagine distorta -e frantumata con un filtro cubista- della terracotta si propone, a chi osserva l'opera, un potenziale richiamo al famosissimo Urlo di Munch, in cui un
volto emerge dall'oscurità disturbando con la gravità grottesca dell'espressione la serenità mondana della nota località di villeggiatura ligure.

Dell'opera esistono due versioni di differente "riflessione" entrambe commissionate e mai ritirate da una nota collezionista con galleria nel comune di Rapallo.

Da segnalare come la variazione della luce -attraverso i filtri dei colori e della loro saturazione- ottenga il risultato di ridefinire il contesto generale da idilliaco (e un po' banale) paesaggio lunare in vibrante contesto solare.

Elaborazione digitale stampata su tela e ritoccata a matite colorate e pastelli a cera

cm 50 x 30

Collezione Germani

2 feb 2023

LA CURA

Per una mostra finalizzata alla raccolta fondi per l'Ospedale Marchesi di Inzago (tema della mostra, un po' Battiato: LA CURA) MAD ha elaborato questa immagine riprendendo alcune sculture lignee di cui era da tempo in possesso, e che stavano su una mensola del suo studio quasi fossero consapevoli che prima o poi sarebbero servite.

Per altro il manichino in legno è uno strumento molto caro all'autore, che lo ha già proposto in più opere fin dal 2018, (vedi Vitruviano, Last Summer e Padre risalendo nella galleria).

MAD sostiene che questa rappresentazione dell'essenziale umano asettico e senza genere gli abbia sempre richiamato alla mente la sinteticità della poesia Haiku giapponese, scrittura nella quale peraltro si è cimentato più volte proponendo al pubblico di Cuggiono anche una mostra di frammenti poetici nella Green Gallery da lui creata nel parco di Villa Annoni durante periodo infausto del COVID 19 (2020) in collaborazione con l'acquarellista milanese Andrea Cuccato

Della struttura base di quest'opera esistono anche altre due versioni, una più POP e colorata, l'altra rigorosamente in bianco e nero, che tuttavia l'autore non ha mai esposto in pubblico preferendo mantenerle solo in formato digital virtuale.

"Tutta la fragilità e la fede di chi si affida al compassionevole, immenso potere di mani che curano"

Donatella Donati, docente, scrittrice, giornalista, musa fondatrice e manutentrice del sito www.avoadora.it,

Elaborazione digitale stampata su tela e ritoccata a tempera e pennarelli colorati

cm 60 x 70

Collezione Fondazione Marchesi

Cosa si intende con DIGITAL ART

Digital Art, appunti sull’arte del ventunesimo secolo: il nuovo surrealismo (estratto da www.ilasmagazine.com)

Con le nuove tecnologie del XXI secolo inizia la nuova era del surrealismo: la Digital Art. Tutto iniziò per un gioco e poi da Andy Warhol ad oggi si è aperto uno scenario di mondi

Digital Art, giovane, bellissima ma ancora un’outsider, è intesa come tutta la produzione artistica che utilizza software a volte anche combinati tra loro come il Photoshop, After Effects, quelli per il rendering, l’Illustrator e dintorni, è un modo di lavorare relativamente recente e pertanto non è ancora ben inquadrata dall’establishment di critici e storici dell’arte.
Sfogliando due volumi del 2008 della Taschen (Art Now), c’è una carrellata di artisti che praticano pittura, scultura, installazioni, video-arte… ma di artisti digitali non c’è traccia.

Il 21 luglio si sono celebrati i 40 anni della nascita di Space Invaders. Un video-gioco nato in Giappone che invase poi tutto il mondo. si potrebbe dire che quello fu il primo embrione dell’alba dell’arte digitale: nuovo strumento (il computer) per una nuova frontiera (l’arte digitale).
Ad Andy Warhol fu regalato nel 1985 un computer Amiga
in occasione della sua presentazione e soltantonel 2011 sono statiscoperti in un floppydisc, alcune suesperimentazioni di
computer grafica.

Roba elementare, in realtà, e forse per questo non ancora storicizzata pur trattandosi di Warhol.

Gli artisti digitali esistono e sono tanti.
Ovviamente non tutti all’altezza di chi operacon una certa maestria.
Scorrendo alcuni hashtag su Instagram quali proprio #digitalart, si scopre un’infinita realtà accattivante sotto il profilo creativo e tecnico che però è ignorata o demandata a testi della stampa specializzata, scritti da appassionati o dagli stessi autori di arte digitale.
Si tratta a volte di artisti indipendenti, che hanno principalmente un mercato diretto perché è difficile che trovino galleristi “illuminati” che li propongano. Uno di loro mi raccontò che l’80% del suo lavoro non consiste nel
produrre nuove opere ma curare il data-entring dei contatti delle persone ricche nel mondo. Per poi proporre con una news-letter random le sue nuove creazioni.

L’attuale mancanza di storicizzazione di questo fenomeno artistico che, per quanto riguarda la fotografia, ha le sue radici analogiche nel pittorialismo di Henry Peach Robinson o nei fotomontaggi in camera oscura di Jerry N. Uelsmann,
non si comprende bene perché la Digital Art sia considerata un’arte minore o perché chi deputato a immolarla come arte a tutti gli effetti, non ne comprende le caratteristiche artistiche e tecniche. “Eh, ma è fatto col computer!!!” capita di sentire.
È chiaro che non tutta la Digital Art è eccezionale. È, in buona parte, come le altre arti del resto, banalizzata da inutili virtuosismi tecnici non contestualizzati in un pensiero/progetto, graficismi da fumetto pezzottato, brutte copie di idee brutte, manipolazioni effettuate da operatori che possono tornare utili più alla comunicazione pubblicitaria che all’arte.
Se cerchiamo in rete parole chiave come “architecture” o “surrealism” accanto a “digital art”, allora lo scenario che ci si presenta migliora. È diverso e lontano dalla bolgia di immagini ridondanti.
La Digital Art ha dato modo di ritrovare una nuova ondata di surrealismo, della metafisica, del fantastico. Dell’immagnifico! Un trend che si potrebbe definire visionarismo contemporaneo.

Probabilmente molti critici, art-advisor, galleristi, mercanti d’arte ecc. non hanno mai avuto la possibilità di osservare da vicino il modo di operare di questi artisti. Non ne avrebbero il tempo. Perché a volte una loro opera ha una gestazione che può durare anche alcuni mesi o, addirittura, anni.
Non è un gioco da ragazzi. Ci sono opere che prevedono un lungo tempo di maturazione dell’idea che deve trasformarsi in immagine. Non parlo di immagini astratte, ma quelle di senso compiuto. Le arti visive tradizionali consentivano di passare dall’immaginazione alla tela al marmo o altro supporto.
La Digital Art comporta lavorazioni di cui la conoscenza tecnica dei software deve essere profonda e non da meno è necessario un certo senso di “percezione associativa”. Ma non basta. Perché i manuali delle case madri dei programmi o
gli innumerevoli tutorial presenti in rete per imparare “come fare per” non potranno mai soddisfare tutte le esigenze di un artista digitale.
La pittura consente l’addizione della materia dei colori per realizzarne i contenuti. Con la Digital Art si va per addizione e sottrazione. Si aggiungono e/o tolgono immagini precedentemente realizzate o parti di esse.
La pittura è materica. Con la Digital Art la materia è più invadente dei colori analogici quali acrilici, olii, tempere… perché paradossalmente i pixel pesano più di tubetti e polveri di colore per i sistemi operativi dei computer e hard
disk. Ma questo i critici dell’arte non lo sanno. Non sanno che per certi file occorre investire in Ram e sistemi operativi potenti. Non possono sapere (perché non è il loro lavoro) che un’immagine composta da tante altre (i “layer”) a volte non può essere salvata in “psd” ma in “psb”. Perché forse a stento
conoscono il jpeg.

Michelangelo Buonarroti per dipingere la Cappella Sistina diventò quasi cieco lavorando in interni per quattro anni. La
mancanza di sole gli comportò anche problemi renali visto che in assenza di luce solare il suo organismo non poteva
sviluppare vitamina D.

Il lavoro dell’artista digitale è altrettanto usurante. Sebbene la sua postura possa essere perfetta innanzi al monitor, nel

tempo avrà problemi di schiena perché, in quanto artista e

quindi fanatico del proprio lavoro nell’accezione migliore del termine, non seguirà mai le norme di sicurezza sul lavoro che prevedono pause dal monitor. Non solo. Anche gli occhi si
compromettono, addirittura fino a perdere in parte il campo visivo quando si effettuano scontorni in Photoshop di estrema precisione che possono durare ore.
Ma un critico d’arte non è tenuto a sapere cosa siano gli scontorni di un’immagine.