MArtD

3 feb 2020

LUDWIG

Nell'anno del 250° anniversario del grande Beethoven MAD decide di elaborarne un ritratto "trasparente". L'omaggio al grande autore della Pastorale si intuisce dalla chiave di basso collocata in alto a destra e anche dai caproni, inseriti nell'immagine fra la riproduzione di varie note volutamente aliene al grande autore tedesco.
L'albero nello sfondo è una quercia fotografata dal MAD personalmente in un pomeriggio brumoso all'interno del parco di Villa Annoni.

Se è vero che Beethowen è stato uno dei compositori più popolari del suo tempo non poteva mancare un riferimento pop al tutto, concretizzato dal sorriso di Ludwig interpretato dal simbolo del massimo consumismo del ventunesimo secolo: la freccia di Amazon.

Stampa su tela e ritocchi a pennarello e pastelli a cera - 50x 60
Collezione Sant'Anna

The Wall

Questo progetto parte dal senso di angoscia che l'autore prova nel vedere, una mattina di primavera, un triciclo impigliato in un filo spinato sopra il muro di una discarica, quasi simbolo di un'infanzia infelice. Per caricare ancor più la drammaticità dell'immagine MAD inserisce allora, sopra le scritte originarie, il murale di una maschera antigas, che tuttavia nella sua evoluzione verso l'altro, come fosse un ripensamento, trasforma poi in una serie di palloncini colorati che sfumano in un cielo interrotto da fiori apparentemente di ciliegio
Stampa su tela con ritocchi a pennarello e pastelli a cera - 70x 50
Collezione San Rocco

18 dic 2019

LA QUADRATURA DEL CERCHIO

Dalle acque del laghetto sito nel parco di Villa Annoni in Cuggiono sorge una figura chiaramente riferita all'Uomo Vitruviano di Leonardo da Vinci.

Ulteriore esempio di uso del manichino-modello per pittori, questa volta usato da MAD nella sua dimensione cromatica originale e lignea, in coerenza con l'ambiente in cui si colloca.

Il colore del cielo che si intravvede è un richiamo a quelli tipici di De Chirico e le sue Muse Inquietanti

Stampa su tela e ritocchi a pennarello e pastelli a cera - 70x 50
Collezione Sant'Anna

4 dic 2019

CHIOCCIOLA CON PIANOFORTE E FARFALLE

Neo Dada è un movimento artistico che riprende i temi e gli stili dadaisti, caratterizzato dall'uso di materiali moderni, da soggetti dell'immaginario popolare e da contrasti assurdi.

Il termine venne reso popolare da Barbara Rose negli anni sessanta. Con Pino Pascali e Piero Manzoni si vede un effettivo affermarsi del neodadaismo italiano, mentre il neo-neo dadaismo internazionale è stato legato ad un gruppo di artisti conosciuti come Fondazione Kroesos condotto da Mark Divo, che nell'inverno del 2002 hanno occupato il Cabaret Voltaire a Zurigo fino a quando la polizia non li ha costretti ad uscire il 2 marzo 2002.

Tutavia per sviluppare questa immagine il MAD non si rifà a questo concetto di neo-dadaismo.

Semmai riprende una corrente di pensiero più alta: nel 1967, con la pubblicazione di una versione italiana di Lady Jane dei The Rolling Stones, irrompono sulla scena culturale mondiale i New Dada, ragazzi appassionati di musica rock e beat, tutti di famiglia benestante. Erano Maurizio Arcieri, Renato Vignocchi (detto "René"), Franco Jadanza, Ferruccio Sansoni (detto "Ferry"), Giorgio Fazzini e Ricky Rebaioli - quest'ultimo quasi subito rimpiazzato alla batteria da Gianfranco Longo (detto "Pupo").

L’opera in oggetto, dal titolo evocativo, è omaggio lampante a tale neo-neo-neo dadaismo anni '70: l’autore riprende ed elabora graficamente (nell’ordine temporale) farfalle fotografate sul suo terrazzo nel 2012, pianoforti abbandonati in un parco a Bari nel 2016, scale a chiocciola di una torre del palazzo ducale di Urbino fuse con statue riprese nello stesso ambito nel 2019.

Il risultato: un mix di immagini e colori in cui non si sbaglierebbe a vedere anche un’influenza quasipop beatlesiana.

Stampa su tela con variazioni in acrilico cm 70x60
collezione Natale Annoni

1 dic 2019

URLO

La storia di questo lavoro nasce da una fotografia vista da MAD su Facebook: la disperazione di un padre siriano che raccoglie urlando il corpo del figlio dopo un bombardamento.

Profondamente colpito dall'immagine ma ancora più dal silenzio di quell'urlo, l'autore decide di declinarne una versione universale, estirpando quasi dal net l'immagine del figlio e costruendo con la ripresa e l'elaborazione grafica di un manichino da pittore la figura del dolente genitore. Per finire inserisce il tutto in un contesto preso da un'alba che lo stesso MAD aveva fotografato un mattino di Riccione.

Nella sua universalità (il manichino non è nè madre nè padre nè fratello, ma parente disperatamente onnicomprensivo del dolore) il quadro fa inevitabilmente riferimento e omaggio sia alle muse inquietanti di De Chirico che a varie pietà religiose, prima fra tutte ovviamente quella michelangiolesca.

Digitale su tela e ritocchi a pastelli colorati
cm. 70x70
Collezione San Rocco

LA QUARTA LUNA

Il 2019 è evidentemente anno selenico per MAD: dopo un primo soggetto dedicato a Leopardi (Infinito e Luna, commissionatogli dall'esposizione di opere Leopardiane in Villa Annoni), una seconda citazione decisamente molto più pop di Meliès e la luna (Coca Cola). Segue un terzo lavoro centrato sul quesito intellettuale declinato dal famoso "il dito e la luna", esplicito omaggio a Cattelan e a tuti i quiz televisivi ("l'accendo?")

Ed ecco la quarta sorella planetoide.

Qui, in modalità quasifantasy, si utilizza l'immagine del tempietto del parco di Villa Annoni in Cuggiono, sede e residenza per quasi vent'anni dell'autore, in cui si inseriscono due elementi secondo l'autore determinanti di quel biosistema: uno scoiattolo e un pavone -sempre dal MAD fotografati come lo stesso santuarietto.

La differenza di rapporto fra misure reali e reciproca rappresentazione grafica rende la pressione onirica che in questo periodo l'autore vive consapevolmente, alla ricerca di una nuova posizione contestuale e artistica.

Il tempio diventa astronave che trasporta i valori più importanti, libertà e bellezza -ma anche trasmutati e in quanto tali disconnessi dalla realtà fattuale- verso un futuro tanto illuminato al centro quanto oscuro nei suoi contorni.

Elaborazione digitale stampata su tela e ritoccata ad acquerello
cm 60x 90
Collezione Gruppo Occhio Cuggiono

7 ott 2019

IL DITO E LA LUNA

Come si dice: quando un dito indica la luna il saggio guarda la luna, lo stolto il dito.

Qui il dito è quasi un tributo al maestro Cattelan, una citazione riferita al suo monumento davanti alla Borsa di Milano, L.O.V.E (acronimo di Libertà, Odio, Vendetta, Eternità),.
La luna è invece ripresa sul suo balcone da MAD, in una notte quasi chiara.

La morale viene letta dal pubblico in molti modi: dal televisivo "l'accendo?" al "vaffa day notturno".
in ogni caso il con trasto luce oscurità è valorizzato dalla presenza quasi nascosta di un cordino rosso attorno al polso, quasi un riferimento al sangue speso per arrivare a questo effetto semplicemente complesso.

Stampa su tela e correzioni a vernice, cm 60x40
Collezione Lombardi, Milano

Cosa si intende con DIGITAL ART

Digital Art, appunti sull’arte del ventunesimo secolo: il nuovo surrealismo (estratto da www.ilasmagazine.com)

Con le nuove tecnologie del XXI secolo inizia la nuova era del surrealismo: la Digital Art. Tutto iniziò per un gioco e poi da Andy Warhol ad oggi si è aperto uno scenario di mondi

Digital Art, giovane, bellissima ma ancora un’outsider, è intesa come tutta la produzione artistica che utilizza software a volte anche combinati tra loro come il Photoshop, After Effects, quelli per il rendering, l’Illustrator e dintorni, è un modo di lavorare relativamente recente e pertanto non è ancora ben inquadrata dall’establishment di critici e storici dell’arte.
Sfogliando due volumi del 2008 della Taschen (Art Now), c’è una carrellata di artisti che praticano pittura, scultura, installazioni, video-arte… ma di artisti digitali non c’è traccia.

Il 21 luglio si sono celebrati i 40 anni della nascita di Space Invaders. Un video-gioco nato in Giappone che invase poi tutto il mondo. si potrebbe dire che quello fu il primo embrione dell’alba dell’arte digitale: nuovo strumento (il computer) per una nuova frontiera (l’arte digitale).
Ad Andy Warhol fu regalato nel 1985 un computer Amiga
in occasione della sua presentazione e soltantonel 2011 sono statiscoperti in un floppydisc, alcune suesperimentazioni di
computer grafica.

Roba elementare, in realtà, e forse per questo non ancora storicizzata pur trattandosi di Warhol.

Gli artisti digitali esistono e sono tanti.
Ovviamente non tutti all’altezza di chi operacon una certa maestria.
Scorrendo alcuni hashtag su Instagram quali proprio #digitalart, si scopre un’infinita realtà accattivante sotto il profilo creativo e tecnico che però è ignorata o demandata a testi della stampa specializzata, scritti da appassionati o dagli stessi autori di arte digitale.
Si tratta a volte di artisti indipendenti, che hanno principalmente un mercato diretto perché è difficile che trovino galleristi “illuminati” che li propongano. Uno di loro mi raccontò che l’80% del suo lavoro non consiste nel
produrre nuove opere ma curare il data-entring dei contatti delle persone ricche nel mondo. Per poi proporre con una news-letter random le sue nuove creazioni.

L’attuale mancanza di storicizzazione di questo fenomeno artistico che, per quanto riguarda la fotografia, ha le sue radici analogiche nel pittorialismo di Henry Peach Robinson o nei fotomontaggi in camera oscura di Jerry N. Uelsmann,
non si comprende bene perché la Digital Art sia considerata un’arte minore o perché chi deputato a immolarla come arte a tutti gli effetti, non ne comprende le caratteristiche artistiche e tecniche. “Eh, ma è fatto col computer!!!” capita di sentire.
È chiaro che non tutta la Digital Art è eccezionale. È, in buona parte, come le altre arti del resto, banalizzata da inutili virtuosismi tecnici non contestualizzati in un pensiero/progetto, graficismi da fumetto pezzottato, brutte copie di idee brutte, manipolazioni effettuate da operatori che possono tornare utili più alla comunicazione pubblicitaria che all’arte.
Se cerchiamo in rete parole chiave come “architecture” o “surrealism” accanto a “digital art”, allora lo scenario che ci si presenta migliora. È diverso e lontano dalla bolgia di immagini ridondanti.
La Digital Art ha dato modo di ritrovare una nuova ondata di surrealismo, della metafisica, del fantastico. Dell’immagnifico! Un trend che si potrebbe definire visionarismo contemporaneo.

Probabilmente molti critici, art-advisor, galleristi, mercanti d’arte ecc. non hanno mai avuto la possibilità di osservare da vicino il modo di operare di questi artisti. Non ne avrebbero il tempo. Perché a volte una loro opera ha una gestazione che può durare anche alcuni mesi o, addirittura, anni.
Non è un gioco da ragazzi. Ci sono opere che prevedono un lungo tempo di maturazione dell’idea che deve trasformarsi in immagine. Non parlo di immagini astratte, ma quelle di senso compiuto. Le arti visive tradizionali consentivano di passare dall’immaginazione alla tela al marmo o altro supporto.
La Digital Art comporta lavorazioni di cui la conoscenza tecnica dei software deve essere profonda e non da meno è necessario un certo senso di “percezione associativa”. Ma non basta. Perché i manuali delle case madri dei programmi o
gli innumerevoli tutorial presenti in rete per imparare “come fare per” non potranno mai soddisfare tutte le esigenze di un artista digitale.
La pittura consente l’addizione della materia dei colori per realizzarne i contenuti. Con la Digital Art si va per addizione e sottrazione. Si aggiungono e/o tolgono immagini precedentemente realizzate o parti di esse.
La pittura è materica. Con la Digital Art la materia è più invadente dei colori analogici quali acrilici, olii, tempere… perché paradossalmente i pixel pesano più di tubetti e polveri di colore per i sistemi operativi dei computer e hard
disk. Ma questo i critici dell’arte non lo sanno. Non sanno che per certi file occorre investire in Ram e sistemi operativi potenti. Non possono sapere (perché non è il loro lavoro) che un’immagine composta da tante altre (i “layer”) a volte non può essere salvata in “psd” ma in “psb”. Perché forse a stento
conoscono il jpeg.

Michelangelo Buonarroti per dipingere la Cappella Sistina diventò quasi cieco lavorando in interni per quattro anni. La
mancanza di sole gli comportò anche problemi renali visto che in assenza di luce solare il suo organismo non poteva
sviluppare vitamina D.

Il lavoro dell’artista digitale è altrettanto usurante. Sebbene la sua postura possa essere perfetta innanzi al monitor, nel

tempo avrà problemi di schiena perché, in quanto artista e

quindi fanatico del proprio lavoro nell’accezione migliore del termine, non seguirà mai le norme di sicurezza sul lavoro che prevedono pause dal monitor. Non solo. Anche gli occhi si
compromettono, addirittura fino a perdere in parte il campo visivo quando si effettuano scontorni in Photoshop di estrema precisione che possono durare ore.
Ma un critico d’arte non è tenuto a sapere cosa siano gli scontorni di un’immagine.